Как сделать аранжировку

Аранжировка

Аранжировка – стадия, как правило, следующая сразу за сочинением музыкального произведения, то есть за созданием нот. На этом этапе необходимо определить стилистику музыкального произведения (какого музыкального жанра стоит придерживаться в дальнейшем). Подобрать музыкальные виртуальные инструменты, которые вы будете использовать при создании трека, и в итоге записать ноты, на нотных станах программ для создания музыки, экспортировать уже готовые MIDI дорожки, если таковые имеются, и добавить отдельных сэмплов в случае надобности. Звучать готовые партии инструментов должны так, чтобы “голос” каждого инструмента был различим. Если это не инструментальный трек, то так же необходимо не забыть и о голосе, вокалиста который будет присутствовать в произведении. Сделать музыкальную аранжировку – это так же важно, как и написать музыкальное произведение. Качественная, профессиональная, интересная музыкальная аранжировка часто имеет решающее значение, станет ли, например, песня, популярной.

От качества выбранных виртуальных инструментов, а также от того, насколько хорошее оборудование используется, зависит и качество аранжировки. Но также значение имеет, и насколько профессионален тот, кто выполняет аранжировку.

Ведь чтобы определить стилистику музыкального произведения – нужно знать отличительные признаки этих стилистик. Чтобы определить состав музыкальных инструментов – нужно хорошо разбираться в каждом из используемых инструментов, в их сочетании. А если не разбираться в специализированных музыкальных программах, то можно испортить конечный результат.

Есть такое выражение – «Лучшее сведение — это аранжировка». И в этом есть большая доля правды, никогда не стоит откладывать исправления звука на следующий этап, с аранжировки на сведение, со сведения на мастеринг. На каждом этапе старайтесь максимально проработать каждый звук и параметр, каждую деталь. Правильно подобранные инструменты, вкупе с их верно прописанными нотными партиями намного облегчают обработку звука при сведении. Используйте и комбинируйте связку из художественных и технических приёмов. Например, известно, что частотные конфликты (это когда частоты инструментов близкие по значение перекрывают друг друга, тем самым ухудшая звучание) возникают в ситуациях, когда инструменты одного частотного диапазона звучат одновременно в одном направлении по стереопанораме и один громче другого. Например, стоит задуматься над тем что – «а возможно не стоит (скорее всего, так и есть) в начале такта звучать одновременно низким по звучанию нотам бас гитары, ритм гитары и бас барабану ударной установки». Изучайте возможности ваших виртуальных инструментов, разберитесь досконально в настройках, звучанию в различных ситуациях, удобства в использовании. Хорошо сочиненное с правильно прописанными нотами и подобранными инструментами произведение уже звучит не грандиозно, но достаточно хорошо для того, чтобы даже подвергнуться публичному показу и не быть забракованным.

Не нужно покупать/скачивать гигабайты сэмпл паков, десятки инструментов, и делать это постоянно. Выберите, по крайней мере, для начала, по одному два плагина на каждый тип инструмента. Протестируйте их звучание, поэкспериментируйте с настройками, в том числе с эффектами для обработки звука (например, как гитара реагирует на тот или иной эквалайзер), и остановитесь на тех инструментах, которые лучше всего по звучанию нравятся вам, удобны и более всего подходят под тот жанр музыки, в котором вы будете создавать музыку.

Для электро-гитар достаточно два инструмента – одна как соло/лид другая как ритм. Для акустической гитары – вполне хватит одного инструмента. Ударные – остановите ваш выбор на одной универсальной студии ударных инструментов. Бас гитара – так же вполне хватит одного инструмента. Прочие, например, духовые, клавишные так же довольно будет по одному. Синтезаторы, ромплеры, секвенсоры – два, три различных инструмента, либо один универсальный с большим количеством настроек и банком звуков. В дополнение к этому можно скачать пакет с разным набором всевозможных готовых звуков.

Есть одно общее требование, предъявляемое ко всем виртуальным инструментам за исключением электронных (синтезаторы) – звуки, воспроизводимые инструментом должный являться сэмплами записанными с настоящего аналогичного инструмента. Вы же хотите создать звучание максимально приближенное к реальному, не так ли?!

После того как вы подобрали инструменты, написали ноты, прослушали и звучание вам понравилось, и вы готовы создавать песни с таким же качеством и в том же стиле – сохраните настройки всех инструментов, они вам еще понадобятся.

В конце этапа аранжировки ваш проект должен состоять из нотных партий инструментов ( и записанного вокала если это не инструментальное произведение), в которых настроен тембр звучания, громкость, высота тона, строй, художественных эффектов для инструментов (и вокала), их автоматизаций, то есть автоматического изменения параметров или активации. На гитарах, например, должна быть автоматизирована смена техники игры, если это конечно требуется, так же для бас/лид/ритм гитары должно быть применено усиление, всевозможные эффекты, такие как Distortion например, опять же если это необходимо. Частотные коррекции, динамическая и пространственная обработка, если они не связаны с настройкой необходимого звучания инструмента в художественных целях, не применяются на данном этапе, а уже в следующем – сведении. Там эти манипуляции уже являются техническими с целью максимально улучшить звучание музыкального произведения. На стадии аранжировки, как правило, регулировка, например, частоты инструмента происходит внутренними средствами плагина, либо внутри смежного оборудования (такого как гитарный усилитель), обычно для этого предусмотрены внутренние регуляторы. Вовремя же сведения обработка происходит уже за счет внешних специализированных плагинов. Так же каждый инструмент (и вокал если он присутствует) необходимо направить в отдельный канал, чтобы в дальнейшем сохранить в отдельный файл, и на стадии сведения обрабатывать независимо. В ударных, каждый компонент считается отдельным инструментом!

И после того как вы готовы и выполнили все вышеперечисленные манипуляции, сохраните проект вашего произведения, и завершите этап аранжировки экспортом партий каждого инструмента в несжатый формат звука, такой как, например, «.wav». Тем самым если перевести из виртуальной плоскости в реальную, вы выполнили аранжировку и звукозапись вашей музыкальной группы.

Как видите аранжировка – это сложный трудоемкий процесс, не менее важный для музыкального произведения, чем само его написание, поэтому предъявляемые к написанию качественной аранжировки требования так высоки.

Основы аранжировки.

Продолжаем заумные беседы. На подходе аранжировка.

Начнём потихоньку о построении композиций.
Самое главное в музыке, да и не только здесь, работа головой. Причём работа сразу двух полушарий (рационального и творческого).
Поэтому данная деятельность сложна вдвойне. Но здесь допустимы большие люфты в соотношении цель-результат. И за это вас никто пинать не будет. Это касается только вашего личного творчества.
Самое сложное- работа над заказами. Если кто пробовал, знает, что сочинить, что-то по списку требований крайне и крайне сложно. Для этого необходимы, как минимум талант, опыт (причём не 2-3х летний и желательно живых выступлений), умение видеть свой будущий труд и рождать идеи на ходу (для этого надо слушать много музыки самых разных стилей). То же самое, что и геймдизайн, за исключением выпускаемых продуктов.
Я это к тому, что ваше творчество, написанное по наитию (вдохновению) или тем более вымученное из пальцев (рандомное сочинение), имеет нулевую ценность для вашего развития, как композитора. Если вы сочиняете «из головы» (представляете и проигрываете продукт мысленно) и умеете это подобрать, то даже это всего лишь 50% к развитию. Не гнушайтесь, когда вам предложат сделать что-то по плану. И чем жёстче будет план, тем лучше же для вас и вашего становления. Для этого советую слушать оперу.
Надеюсь, кое-какие поползновения для размышления я обозначил.
Аранжировка. Что это за смесь и как её готовить? Научного определения я не знаю.
Дам своё. Это гармоническиймелодический комплекс инструментального ведения композиции, включающий следующие структурные компоненты:
1. Мелодическая линия.
2. Ритм-партия.
3. Басовая партия (вообще-то в ВИА принято бас вносить в ритм-секцию, однако, как мы знаем, в других коллективах это может складываться по-другому).
4. Аккомпанемент (ритмический, гармонический или мелодический)
5. Инструментальный фон (подкладка или педаль)- промежуточные, заполняющие компоненты и очень вариабельные (до самостоятельной партии).

Моё определение. На мой взгляд более точное, нежели классическое, где выделяют только мелодию и аккомпанемент (в который входит почти всё).

Рождение композиции может происходить на любом из этапов. Абсолютно не важно с чего вы начнёте.
Теперь о важном.
Прежде чем начать говорить о теории необходимо разобраться в базе самой создаваемой композиции. Перед началом творчества задайтесь вопросом «Чего я хочу добиться созданием этой композиции?». Хотите ли вы просто провести приятно время или же вы делаете определённый заказ? Или вы поймали подходящее настроение?
Вот именно. Перед созданием необходимо учесть, что должен понять рядовой человек, слушая вашу композицию. Если всё создаётся наобум «абы как», то ничего хорошего из этого не получится, кроме того, что вы проведёте пару приятных часиков.
Задавайтесь целью и совершенствуйтесь.
Итак, мы определились с целью. Например, хотим чего-нибудь грустного, печального.
Во-первых, создаём себе аналогичное настроение, т.к. создание грустной композиции при наличии радостного настроения, согласитесь- глупость. Каждый музыкант должен быть актёром. Посмотрите концерты, где гитаристы, пианисты, скрипачи и т.д., исполняющие сольные партии, как бы разговаривают. Что это, показуха? Это слияние музыканта с его инструментом и музыкой. Можно назвать высшей ступенью развития музыканта.
Далее работаем головой. Если не получается, то пока не запускайте секвенсор и не берите в руки какой-либо инструмент. Продолжайте думать или включите музыку по тематике предполагаемого настроения. В конце концов, один из 5 перечисленных пунктов должен промелькнуть. Выхватывайте его. Неситесь к компьютеру или инструменту.
Начинается творчество.
Подбираем то, что выхватили из череды мыслей (голова, начиная с этого момента, начинает работать в усиленном режиме, и не прекращает работу до конца творчества). После этого будем облеплять то, что есть необходимыми компонентами.
Это уже собственно аранжировка. Вы являетесь и басом, и ударными, и всеми инструментами вообще.
Вот тут уже несколько подходов. Первый и самый лучший- всё сочинить в голове и подобрать. Далеко не всегда получится так сделать, особенно, если вы- новичок.
Второй- чисто теоретический. Самый худший.
И третий- комбинация того и того. Самый компромиссный.
Определяться изначально придётся сразу со многими вещами. Тут и тембровый подбор инструментов (как средство выражения настроения), фразировка композиции, использование автоматизации. Куча всего. И навряд ли я затрону данные компоненты в данной статье, т.к. про это можно очень долго говорить. Давайте уж по базе, причём базе теоретическо-структурной.
Тут был вопрос про аккорды. Ну, представим, что сочинили мы 4 аккорда в си-миноре. Си-минор, ре-мажор, соль-мажор, ми-минор.
Сразу определяемся с ритмом. Какой ритм должен быть в грустной, печальной мелодии? Не слишком быстрый, установим аккорды по тактовой (целой) длительности. BPM сделаем 100. Размер понятен- 44. Набиваем аккорды. Переслушиваем по нескольку раз созданный аккомпанемент. Если ничего не приходит в голову- очень плохо. Но если нравится аккордовая последовательность- можно продолжить. Мне вот захотелось прибавить ещё один аккорд в последнем такте, т.к. ми-минор так и просится, чтоб его закончили (разрешили). Прибавить можно или соль-мажор, или ля-мажор, или фа-диез минор. Я выбрал фа-диез.
Продолжаем дальше. Мелодия.
Пока отвлекусь на важную вещь. Мелодия может быть изначально или же её можно подогнать под аккомпанемент. Вот и коснёмся теории. В ладе выделяют устойчивые и неустойчивые ноты. 1, 3, 5- устойчивые. 2, 4, 6, 7- неустойчивые. Исходя из практики, как-то само выплыло, что 4 и 6 больше подходят под термин «относительно неустойчивые», т.к. не требуют сиюминутного разрешения (разрешение- это тяготение к устойчивым ступеням лада). В зависимости от того, что подгоняется, используем данный принцип.
Каждый аккорд (но только в квадратизированных композициях. ) должен обыгрываться индивидуально с применением устойчивых ступеней каждого аккорда на сильную долю метра, что будет соответствовать эолийскому (субмединанта), ионийскому (тоника), лидийскому (субдоминанта), дорийскому (нисходящий вводный звук), фригийскому ладу (медианта) соответственно. Это к вопросу о том, как переходить в данные последовательности. Вы спросите. А как это эолийский лад- субмедианта? Ведь в данной композиции- это заглавная тональность, сл-но тоника. А я отвечу. Данные лады строятся только от натурального мажора, т.к. минор- сам по себе производное. А изощрение с минорами мы уже рассматривали в предыдущей статье.
Это самый примитивный способ построения, но это- база, и от неё никуда.
Усложнение мелодии можно достигнуть внесением промежуточных (подводящих) нот с естественным (логичным) увеличением «малодлительных» нот. Такое вот переполнение можно осуществлять для более жёстких композиций. Это не подойдёт для атмосферных, меланхоличных треков.
Добавляем оставшиеся бас и ударные. В нашем случае они должны играть роль единой ритм-секции.
Вспомнил забавный эпизод. Давно это было, лет 6 назад. Впервые я столкнулся с аранжировкой. Тогда в пору ансамбля в свободное время мне предоставилась возможность вовсю погонять какой-то игрушечный синтезатор. Клавиши были детские (маленькие совсем) и сохранять можно было только с помощью батареек. Но в то время мне это казалось вообще фантастическим. Начал я набивать свою гитарную композицию (мелодия на полную катушку использовала неустойчивые ноты, поэтому была очень и очень красивой- даже сейчас я такое с трудом смогу повторить). Уже начиная с перебивки перебора, стал вносить изменения. Потом добавил бас с совершенно своей мелодией (а как же, там даже pitch bend был, который я мучал особенно рьяно), барабаны с наисложнейшим ритмом. Короче получилась такая каша, что трудно представить. Однако я сидел и балдел от того, что насочинял. Так как, наверное, только один представлял, что же это такое было. Я это к тому, что излишнее усложнение каждой партии не приведёт к хорошему. Возможно, это будет технически и мелодически совершенным, но слушать такое будет тяжело и желаемый lou (level of understanding) придёт к слушателю не после первого прослушивания.

Читайте также  Как правильно целоваться взасос

10 коротких советов начинающим музыкантам о работе с аранжировкой

Учимся не портить песни и принимать правильные решения.

Работа над аранжировкой — не менее важный процесс, чем написание самой музыки. Правильное наполнение песни элементами способно превратить обычные музыкальные зарисовки в настоящие хиты, в то время как плохие аранжировки могут убить даже самые лучшие идеи. SAMESOUND.RU дает несколько советов о работе над аранжировкой, которые помогут принять правильные решения, разнообразить текущие проекты и попросту заставят задуматься.

1 Учись у профессионалов

Послушайте свои любимые треки и подумайте, что придает их аранжировке тот самый шарм. Когда список фаворитов кончится, послушайте что-нибудь совершенно другое. Главное здесь не загонять себя в рамки одного стиля. Чем больше разной музыки вы слушаете, тем легче работать с аранжировкой: в любой момент времени этот багаж знаний подскажет, что можно добавить в текущий проект.

2 Будь самокритичен

Бывают случаи, когда мы добавляем в аранжировку какой-то новый элемент и испытываем невероятный эмоциональный подъем от этого, представляя как все удивляются нашей гениальности. В такие моменты полезно сделать пару шагов назад и проанализировать уже проделанную работу. Скорее всего новшества портят аранжировку.

Когда нам кажется, что какой-то элемент обязательно нужен треку, важна трезвость ума и отсутствие самолюбия. Реально оцените пользу от последних изменений и без зазрений совести выбросьте все лишнее. Да, идея была крутая, но не для этой песни.

При работе с аранжировкой иногда лучше не усердствовать с необычными ходами, а сделать что-то предсказуемое. Пусть в куплет играет только бас и ударные, а в припеве вступают все инструменты — люди ждут такого развития событий. Порой разочарование от неоправданных ожиданий может сильно испортить впечатление от песни, какой бы классной она не была. Применяя нестандартные решения, нужно быть уверенным, что они найдут отклик у слушателя.

3 Изучай музыкальную теорию

Несмотря на то, что SAMESOUND.RU ориентирован, в первую очередь, на музыкантов-любителей, наличие хотя бы базовых знаний музыкальной теории не повредит. С их помощью работа над аранжировкой станет проще: вы будете быстрее находить все лишнее и принимать правильные композиторские решения.

Знание музыкальной теории еще никому не навредило. К слову, с ней неплохо знакомы Джеймс Хэтфилд и Фли, но от этих знаний музыка Metallica и Red Hot Chili Peppers точно не стала хуже.

4 Дай вокалу больше самостоятельности

Вокал — это очень важная часть всего трека. Почему бы не сконцентрировать на нем больше внимания? Попробуйте начать или закончить песню только с помощью вокала. Создайте вокальные островки, в которых все инструменты затихают, оставляя пространство голосу. Зачастую такие ходы производят очень мощный эффект на слушателя, поэтому вокалу стоит давать больше самостоятельности.

5 Используй пространство с умом

Оставьте больше свободного пространства в аранжировке, особенно в куплетах. Нагружать аранжировку нет никакого смысла — слушатели быстро устанут и потеряют интерес к треку, если он свалит на них сразу все инструменты. Послушайте коммерческие записи и посмотрите, как к наполнению куплетов и припевов подходят профессионалы.

В куплетах лучше оставить ударные, бас и вокал. Когда после куплетного затишья в припеве в аранжировку включатся все инструменты, то это произведет на слушателя намного больший эффект, чем постоянный и не изменяющийся пласт звука.

Каждый инструмент должен занять свое место в аранжировке. Не допускайте, чтобы мелодия сталкивалась с аккомпанементом — музыка должна оставаться музыкой, а не превращаться в какофонию.

Постарайся не допустить, чтобы мелодия столкнулась лбом с аккомпанементом, ведь в таком случае все твои задумки превратятся в прах, а музыка станет нагромождением звуков. У тебя есть мелодия и вокальная партия — дай им свое место в композиции. Гитара или синтезатор, играющий похожую мелодию — это хорошо, но пусть и они останутся на своих местах.

В продолжение темы

6 Удели особое внимание вступлению

Жестокая правда современной музыки: большинство слушателей оценивает песни именно по вступлению. Если в первые пять-десять секунд песня не зацепила человека, то скорее всего он не станет слушать песню до конца.

Создание аранжировки подразумевает работу над всеми ее частями, но особое внимание нужно уделить вступлению. Интро — это не просто бит или какой-то рифф, это важная часть, которая должна зацепить слушателя и заставить его послушать песню до конца.

Проблема в том, что здесь нет и не может быть каких-то рецептов успеха. Ищите нестандартные варианты, слушайте разную музыку (мы советовали это в самом начале), ищите подходящие своим песням ходы. Интро может быть коротким или длинным, насыщенным или минималистичным, но главное — цепляющим.

7 Разнообразь припев

Даже если у вас есть отличный приставучий хук или стопроцентно цепляющий какими-то элементами припев, не надо использовать их постоянно. У каждого трека должна быть своя фишка, но ее постоянное повторение быстро наскучит слушателю.

Создание аранжировки подразумевает разнообразие, но речь не о том, чтобы сделать куплет в стиле диско, а припев в духе акустического техно. Меняйте партии, экспериментируйте с динамикой звука, перетасовывайте текст в рамках одной части песни. Аранжировка — это способ провести слушателя через рассказываемую песней историю, поэтому сделайте все, чтобы это путешествие было максимально интересным и необычным.

8 Используй необычные инструменты

Если вы чувствуете усталость от однотипных звуков в своей музыке, попробуйте разнообразить аранжировки необычными звуками. Если вы играете метал, добавьте в свои треки аккордеон. Пишете легкий поп? Задумайтесь о духовых инструментах.

Искать в своем городе владельцев необычных музыкальных инструментов не нужно. Воспользуйтесь электронными музыкальными инструментами, скачайте какие-нибудь виртуальные библиотеки, познакомьтесь с сэмплами. Если звучание существующих инструментов не понравится, создайте собственные звуки — именно так поступили музыканты «Океан Ельзи» при написании аранжировки песни «Я так хочу», в которой привычный бит дополнен схожим ритмом, сыгранным с помощью ударов CD-дисков.

9 Слои

Простейший способ сделать свои миксы жирнее и толще — это использовать несколько разных инструментов, играющих одну и ту же партию с различными интересными вариациями.

Пространственные подложки с невероятным сустейном не привлекают внимания слушателей, но обогащают музыку ощущением атмосферы. Если ваши треки звучат слишком сухо, добавьте пэды и поместите их вглубь микса.

Создание аранжировки подразумевает наличие в музыке идеального баланса между инструментальным наполнением и ясностью самого микса.

Тем не менее всегда помните, в каких регистрах звучат инструменты. Если все участники аранжировки сойдутся в одном регистре, то музыка будет звучать ужасно. Следите за тем, кто и в каком регистре живет и разделяйте партии между собой: если фортепиано играет очень высоко, то партию гитары нужно опустить ниже — инструменты не должны мешать друг другу.

То же касается и тембра. Нет смысла нагружать аранжировку 10 фортепиано и 6 гитарами. Даже если они будут играть разные партии, их тембральная близость приведет к образованию каши, которую не вычистить эквалайзером. Ограничьтесь 2 гитарами, синтезатором и фортепиано, определитесь, какие партии они играют и грамотно расположите инструменты на панораме. Руководствуйтесь правилом «меньше — лучше».

10 Повнимательнее с ритмом

Работа с ритмом требует вдумчивого подхода. Иногда инструменты стоит свести к одному ритмическому рисунку, иногда, наоборот, дать им волю играть в разных ритмах. Главное, что нужно помнить: разные или одинаковые ритмы не должны портить общей картины аранжировки.

Читайте также  Как поменять термопасту на видеокарте

Одинаковый ритм может сделать песню скучной. При работе с разными ритмами можно слишком усложнить восприятие музыки слушателем. Ищите баланс, но не заостряйте особое внимание на этом моменте: ритм должен лишь дополнять общую картину, но не перетягивать одеяло целиком на себя.

Аранжировка и написание музыки

Как сделать аранжировку. Введение

Что такое аранжировка? В чем суть аранжировки? Первое с чего стоит начать это определение базовых навыков музыканта для занятий аранжировкой. Чтобы понять, какие знания вам необходимы попробуем провести простую аналогию на примере живописи. Можно представить, что аранжировка в живописи это процесс превращения наброска картины в полноценное полотно.

Для этого художник должен понимать, как работают законы перспективы, сочетания цветов, как управлять светом и тенью, как смешивать краски и многое другое.

Очевидно, что если вы не умеете рисовать, то сделать этого не получится. Тем не менее, я очень часто сталкиваюсь с музыкантами, которые не зная теории, гармонии, основ композиции пытаются освоить аранжировку и естественно не получают никакой пользы.

Поэтому минимальным условием для занятий аранжировкой является наличие твердой теоретической базы на уровне музыкальной школы. Такой уровень знаний можно вполне получить за 3-6 месяцев и использовать их всю жизнь.

Кроме этого у вас должны быть навыки работы в DAW и работы c VST плагинами, это можно сравнить с технической оснащенностью художника — краски, кисти, карандаши, тушь, бумага для рисования аналоги программ и плагинов для создания музыки.

И только после этого вы уже можете переходить к постижению основ аранжировки. Согласитесь никому не придет в голову учиться рисовать без карандашей, бумаги и понимания элементарных законов живописи.

2 пункта которые должны быть освоены:

  1. Теория музыки
  2. Технические навыки работы с DAW на базовом уровне

Теперь можем перейти к аранжировке.

Начнем с определения:

Понятие аранжировка происходит от французского слова arranger, которое означает «приводить в порядок». А музыкант создающий аранжировки соответственно называется аранжировщиком:)

Само по себе искусство аранжировки находится где-то посередине, между инструментовкой (оркестровкой) и композицией.

В чем разница?

Инструментовка предполагает переложение уже законченного произведения для другого инструмента (или ансамбля). Правила инструментовки довольно просты, их может освоить каждый музыкант, даже далекий от творчества. По сути, это ремесло, которое не требует наличия таланта композитора, а только знание необходимых формул и наличие элементарного музыкального чутья и вкуса.

Композиция – это сочинение музыки. И это, по всей видимости, самое условное определение в музыкальном знании, потому что, исходя из него, композитором можно считать и дворового поэта самоучку, написавшего 100500 песен под три аккорда и Шостаковича.

Тем не менее, композиция предполагает создание музыки из ничего. Композитора никто не обязывает сочинять музыку в том или ином виде, он не ограничен в выборе выразительных средств. Именно композиторы изобретают новые стили и жанры, новый гармонический и мелодический язык.

Теперь представим такую картину: композитор сочинил песню и записал ее на ноты примерно в таком виде:

По такой записи не понятно, какой состав должен исполнять такую музыку, в каком стиле она должна быть изложена, какая форма, даже гармония в таком виде не может быть использована для исполнения.

Задача аранжировщика решить все эти задачи и аранжировать песню.

Аранжировщик музыки (англ. arranger) — музыкант, обладающий композиторскими навыками, который обрамляет мелодию в музыкальную фактуру. Взяв за основу одно-двух голосную мелодию с обозначенной гармонией, созданную композитором, аранжировщик сочиняет партии для всех инструментов, следуя законам аранжировки, инструментовки и композиции.

Также аранжировщик может менять гармонию, форму и даже мелодию. Всё зависит от функциональности этих элементов, изначально заложенной композитором. Например, если мелодия песни не является якорем (т.е. яркой запоминающейся), то аранжировщик может заменить ее на более выразительную, сохраняя образный строй произведения.

От музыкального вкуса и таланта аранжировщика целиком зависит стилевое направление и убедительность звучания музыкального произведения. Многие композиторы самостоятельно аранжируют свои произведения, с целью, как можно точнее реализовать задуманную идею.

Буквально еще 10 лет назад работа аранжировщика состояла в записывании всех партий в партитуру, после чего музыканты разучивали ее и только тогда аранжировщик мог оценить свою работу.

Сегодня работа аранжировщика напрямую связана с компьютером. Не нужно ждать месяцы репетиций, когда музыканты разучат композицию. Достаточно написать миди партию и вы сможете послушать аранжировку в любой момент.

Исходя из этого, я буду использовать двойной подход при объяснении нотации. Стандартный нотный и миди-piano roll. Такой подход позволит Вам с легкостью перейти с нотной записи на компьютер и наоборот.

Почему важно уметь записывать Ваши аранжировки нотами?

Для начал прочитайте статью о необходимости знать теорию .

Бесплатный видеокурс по аранжировке http://study-music.ru/arranging

Дело в том, что работа в секвенсорах воспитала целое поколение музыкантов, которые не могут создать аранжировку на нотном листе или в голове. Это также плохо, как группа, которая не может создать аранжировку в отрыве о своих инструментов. Аранжировка это свободное искусство, которое не терпит ограничений, поэтому в качестве упражнения делайте иногда работу на нотном листе, и вы удивитесь тому, какие неожиданные решения это принесет.

Нотная запись дает возможность видеть партии всех инструментов одновременно, работать над голосоведением и гармонией, формировать партитурный слух. Любые ошибки легко мониторятся через нотный текст плюс формируется правильное, музыкальное мышление.

Естественно, что над некоторыми элементами аранжировки технически удобнее работать в Piano Roll: например, писать партии ударных, рисовать огибающие для midi и т.д

Также советую по этой теме прочитать статью http://study-music.ru/uchite-noti/

Роль аранжировки в современной музыке сложно переоценить, существует невообразимое количество стилей и приемов аранжировки . Есть целые направления музыки, в которых отсутствие аранжировки невозможно, т.е. аранжировка в такой музыке первична и, как правило, может появиться раньше музыки и слов (например, хард-рок, trash, EDMи т.п.).

Перед тем как начать, посмотрим на основные элементы аранжировки.

Начинающему аранжировщику достаточно научиться работать с четырьмя базовыми элементами.

  1. Создание ритмической основы (работа с ритм секцией)
  2. Выстраивание линии баса
  3. Работа с мелодией
  4. Работа с гармонией

В рамках этого курса данные направления будут приоритетными.

Создание ритмической основы

Грув ударных или ударных и перкуссии. Задача аранжировщика разработать индивидуальный, интересный по звучанию грув, который будет склеивать акцентные сетки инструментов. Если рассматривать грув с теоретической позиции, то его задача показывать метр и акценты ритма.

Линия баса

Линия баса опирается на гармонию композиции, а также взаимодействует по законам контрапункта с мелодией. Отличная линия баса может быть основной аранжировки. Например, такие басовые риффы как Seven Nation Army или Satisfaction являются яркими примерами индивидуальной линии баса, которая также обозначает гармонию

Мелодия

Работа с мелодией в аранжировке это выбор инструментов для ее изложения, выбор регистра, сочинение контрапунктов.

Гармония

Основные виды изложения гармонии в аранжировке это подклады, ритмическая фигурация, гармоническая фигурация и смешанная фактура.

Читайте также  Как получить категорию воспитателю

Фактура

Слово малознакомое любителям быстрого клепания треков в FL Studio, которое обозначает невероятно большой пласт элементов музыки. По сути, без фактуры не существует музыки и одно из определений аранжировки может выглядит так:

Аранжировка это создание фактуры для определенного состава инструментов. В задачи данной статьи не входит описание фактуры вы можете подробнее узнать о ней по ссылке http://study-music.ru/facture/

Нам же важно знать, что первая задача которая стоит перед аранжировщиком это определиться с плотностью фактуры и типами фактуры для партии инструментов. Не нужно путать тип фактуры и состав инструментов для аранжировки.

Например, 3 инструмента могут быть аранжированы в насыщенной, плотной фактуры где каждый будет исполнять самостоятельную партию с элементами скрытой полифонии. А 10 инструментов могут быть аранжированы в прозрачной, минималистичной фактуре.

Выбор фактуры определяется несколькими условиями:

  1. Стилистикой
  2. Составом инструментов
  3. Исходным материалом (какая гармония, мелодика, ритмика)

Например, если мы имеем дело с простой гармонией и мелодикой, то основная задача аранжировки дополнить это звучание, сделать его интереснее и свободы для выбора фактуры много. Если же композитор написал сложную, синкопированную мелодику с джазовой гармонией, то в первую очередь мы должны подчеркнуть особенности заложенные композитором и только потом работать над дополнением материала.

Музыкальной чутьё

Не существует музыкантов, которые могут сделать аранжировку музыки в любом стиле. По одной простой причине — опыт и вкусовые предпочтения. Любая музыкальная идея уже содержит в себе определенные образы для воплощения в аранжировке.

Если аранжировщик слышит то, что хочет, а не то, что нужно, то он просто убьет песню. Самый простой пример: представьте звучание какой-нибудь поп песни в стиле Black Metal или наоборот представьте как песню Metallice поёт Надежда Кадышева — это очевидно своеобразное музыкальное извращение, в лучшем случае шутка, но никак не руководство к действию.

Мой личный опыт показывает, что любая песня имеет внутри себя определенные эманации, чувства, образы, которые направляют аранжировщика. Умение слышать это внутреннее наполнение один из признаков наличия таланта аранжировщика.

Посмотрите хороший фильм «Хоть раз в жизни» https://www.kinopoisk.ru/film/596208/, в нем очень ярко показывается различие в мышлении автора песен и аранжировщика. В моей практике не раз бывало такое: сыгранная автором под гитару или фортепиано песня сразу же представлялась в готовом варианте, который исходил из песни. И такие аранжировки получались максимально эффективными. Когда же вместо заложенных в песне идей я пытался навязать своё видение песня звучала интересно, но теряла связь со своей первоначальной идеей.

Итак, что вам нужно для занятий аранжировкой:

  1. Базовые теоретический знания
  2. Технический навыки
  3. Развитый музыкальный вкус и музыкальное чутье
  4. Широкий музыкальный кругозор и слуховой опыт в тех стилях музыки, которые вы будете использовать в ваших аранжировках.

Блюз >Как сделать аранжировку интереснее?

Дело не в гитаристе. Но и не в басисте, клавишнике, барабанщике или в ком бы то ни было еще. Дело во всех вас вместе, и — что еще важнее — в самой композиции. Недавно мой коллега по группе сказал мне, что быть членом группы — высшая форма социализма, и я согласен с ним. Я играю в группе практически всю жизнь и именно там я чувствую себя наиболее комфортно. Когда каждый из нас, заходя в репетиционный или концертный зал, оставляет свое эго за порогом и мы играем друг для друга и для музыки, это поистине волшебно. Аранжировками и оркестровками для группы я заинтересовался сразу как взял гитару в руки. То, как все детали складываются в одно, завораживает меня, и, будучи гитаристом и вокалистом в разных группах, я многому научился, в частности узнал, как сделать аранжировку.

Как сделать аранжировку. Лучше меньше, чем больше

Наверняка вы уже слышали эту мудрость. Наш инструмент — а особенно электрогитара — очень мощный, поэтому будьте осторожны. Не пытайтесь сыграть каждую ноту каждого аккорда. Сыграйте часть аккорда, его обращение, мелодическую линию или продублируйте линию баса. А вот еще одна хорошая идея: не играйте вообще ничего. Для примера я покажу вам восьмитактовую прогрессию ( Пример 1 ), напоминающую творчество Beatles. Если ваши коллеги по группе и так прекрасно справляются с гармонией и ритмом, вы можете и передохнуть.

Придумайте несколько гитарных партий в качестве аранжировки

Еще одна стратегия создания аранжировки: объедините или наложите друг на друга несколько гитарных партий. Это работает особенно хорошо во вступлении или в других важных частях композиции. Например, перед соло. Послушайте Пример 2 , написанный в стиле Earth, Wind & Fire.

А здесь нам поможет простой лупер. Начните петлю на Примере 2, а затем на этом фоне сыграйте дабл-стопы — что-то вроде Примера 3 . Отлично звучит, правда?

А если по-другому?

Сыграйте аранжировку на другом звукоснимателе или подкрутите ручку тона. А теперь опять возьмем лупер. Для записи Примера 4 (простое буги в тональности G) я практически свел тон на ноль.

Как только у вас получится, верните ручку тона в прежнее положение и сыграйте партию Примера 5 . Здесь я совместил двухнотные аккордовые линии с мелодическими бендами.

Помните об уместности в аранжировке

Конечно, ваша впечатляющая гитарная партия звучит очень здорово, но вписывается ли она в данную конкретную композицию? А может, сделать аранжировку песни на другом инструменте, освободив тем самым гитару для того, что лучше подойдет в вашем случае? Например, для плотной ритм-партии?

Звучание, напоминающее банджо ( Пример 6 ) — это тоже неплохо, но когда дело доходит до перкуссивного инструмента, типа пианино, и отличного клавишника. Все кардинально меняется! Переложение этой партии на клавишные открыло композицию по-новому и вывело ее на другой уровень.

Помните: все дело в музыке. Если мелодию и слова невозможно разобрать, потому что гитарист закрывает собой все, что только можно, это неправильно. Сделать аранжировку песни не такое легкое занятие, как кажется на первый взгляд, но и не что-то невозможное.

Когда-то давно мне дали замечательный совет: «Будь лучшим ритм-гитаристом и ты станешь лучшим музыкантом.»

Раньше я и не думал, как сделать аранжировки для гитары. Очень полезный урок.

Сейчас необязательно придумывать аранжировку самому, можно просто купить аранжировку. В интернете полно таких магазинов.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: