Что такое эмбиент?

Что такое эмбиент в играх и как он работает

Уверен вы много раз встречали такой термин как эмбиент. Возможно, даже увлекаетесь этим музыкальным жанром. Конкретно сегодня мы говорим про эмбиент в играх и его роль в создании качественного окружения.

Что такое эмбиент в играх и как он «окружает»?

По своей сущности эмбиент переводится как «окружение». Это музыка, которая работает на создание атмосферы. Это не музыкальный трек как таковой, а скорее пространство, задающее настроение. Если геометрия уровня и всё его наполнение – это физические объекты, то музыкальный эмбиент – это воздух.

Причем эмбиентом не обязаны быть звуки, созданные музыкальными инструментами. Эмбиентом легко могут выступать скрипы, ритмичные шаги, звуки сверчков, вой волка или какие-то голоса, доносящиеся из далека. Это может быть звук клацанья по клавиатуре, или другие характерные для офисного помещения вещи, гул машин за окном, лай собак или шум за стеной. Эмбиентом в играх можно назвать любой источник звука, который передает атмосферу или подчеркивает эмоциональное состояние героя.

Чаще всего в голову мне приходит пример из второго Silent Hill, когда Джеймс спускается в глубины своей души, метафорически изображённые в виде лестницы. Всё, что вы слышите – то, как Сандерленд монотонно спускается по лестнице вниз, отбивая ритм своими башмаками. Со временем вы начинаете бежать, так как, видимо, эту лестницу не преодолеть медленным шагом. Звуки шагов становятся интенсивней, а лестница не кончается. Вы ничего не можете поменять кроме скорости вашего передвижения. И со временем звук ваших шагов – это то, что удручает больше всего, нагнетает атмосферу упадка. И именно этого добивались геймдизайнеры игры.

Также из более недавнего примера Do not Feed The Monkeys, где вы отыгрываете вуайериста, следящего за людьми по всему миру, находясь в своей квартире. Вы слышите, как за окном гудят машины, как ваш сосед включил песню, как кто-то кашляет или ходит на лестничной клетке –и это прекрасно погружает тебя в игру. Ты вправду чувствуешь, что находишься в этой маленькой душной квартире.

Наверно, лучше всего охарактеризовать ambient, как звуковой интерьер или способ нарратива.

Откуда взялся эмбиент?

Сам музыкальный жанр пришел к нам, как не трудно догадаться, из кислотной и бунтующей Америки 70-тых, когда открытие своего внутреннего сознания и медитативность – было характерным мотивом творчества музыкантов того времени, исполняющих преимущественно психоделический рок.

Точной даты, альбома или исполнителя, о котором можно говорить, как о родителе жанра – нет. В большинстве случаев подобное звание приписывают Брайану Ино, выпустившему вместе с Робертом Фриппом классический эмбиент альбом «(No Pussyfooting)».

Однако еще до них в начале десятилетия подобною музыку творили Кинг Табби, Ирвинг Соломон (известный также как Ирви Тейбл), а на другой стороне планеты в Японии экспериментировал Исао Тамита.

Вклад же Брайана Ино заключается в том, что он популяризировал жанр, облагородил и довел до ума. Сам Брайан называл эмбиент музыкой, в каждую ноту которой можно вдумываться или просто пропускать мимо ушей – ведь всё зависит от того, что именно хочет услышать человек.

Приёмы в играх

Эмбиент является лишь частью звукового сопровождения игры и может находиться в долгих композициях. Не могу не вспомнить Hotline Miami [хотя это больше пример самого саундтрека близкого по жанру], где в перерывах между уровнями вы заходите в магазин/видеотеку/ пиццерию или свой дом. Вас всегда сопровождает эмбиентный саундтрек, или как минимум его элементы, что помогает вам отдохнуть после прохождения тяжёлой миссии. В моментах же, когда мы встречаем Ричарда, слышим еще один саундтрек, подчеркивающий нестабильность психики нашего главного героя.

Эмбиет музыка должна создавать историю целой локации, вот почему она так важна. Ведь хоть визуальные эффекты преимущественно пытаются взять эту роль на себя, жизнь в них вдохнет именно правильный саундтрек. Он звучит не очень громко, заполняет паузы, и подкрепляет происходящее на экране не давая возникнуть полной тишине. Ведь тогда игрок выбьется из атмосферы и ему будет не по себе.

Как эталон такого саундтрека вспоминают звуки в The Legend of Zelda: Breath of the Wild, где ветер, трава, и весь мир создает потрясающий саундтрек, подкрепляющий название игры – «Дыхание природы».

В один ряд к Зельде всегда ставят еще и Shadow of Colossus, где нам нужно сокрушить 16 огромных колосов. Всё окружение в этой игре, как визуальное, так и звуковое, пытается всеми силами нам показать атмосферу упадка, и это помогает отвлекаться от некоторых рутинных занятий, таких как исследование или решение головоломок.

Как по мне, безумно прекрасный эмбиент смогли воссоздать в игре Limbo. Лимб (по всяким религиозным канонам) по своей сути – это место куда попадают после смерти не крещенные дети: пустое, серое и угрюмое пространство. Во всей игре единственные звуковые эффекты –это наши шаги, звуки, когда мы передвигаем предметы, шумы всяких механизмов, шуршание лап пауков. Нам прекрасно передали атмосферу враждебного пространства и пустоты, будто ты идешь вперед по темной пещере и не знаешь, что у тебя впереди, что за спиной, но боишься этого до чертиков.

Или, например, в Firewatch. Мы идем по темной тропе, вокруг нас звуки природы и всё. И тут в кустах загорается два глаза, эмбиент кончается, появляется нагнетающая музыка, и из кустов выпрыгивает кролик, вдох-выдох, и мы снова стоим окружённые звуками ночной природы.

Труднее, конечно, реализовывать эмбиент в открытом мире, ведь он должен грамотно отображать настроение. В реальной жизни это можно сравнить с тем, когда вы выходите на улицу и одеваете наушники – у вас появляется своя, нужная вам атмосфера. Подобное же должны провернуть и разработчики прорабатывая звуки окружения для больших локаций. Но если в наушниках вы сами ставите себе музыку и задаете настроение, пусть даже в одинаковых декорациях, то в игре композиторы и геймдизайнеры должны придумать, как адекватно реализовать всё так, чтобы игроки прочувствовали правильный настрой. Чтобы мир казался живым и естественным для вас.

Например, когда вы садитесь в корабль в No Man’s Sky и летите в космос, где нет ничего кроме вакуума, для вас атмосферу создаёт шум двигателя, работа приборной панели, кнопок. Да, вы небыли в космосе, но при этом подобное воссоздание кажется вам естественным.

Именно в этом и есть суть эмбиента в играх. Не исключено, когда в играх он присутствует как непосредственно саундтрек этого жанра, но это уже совсем другая история.

Музыка эмбиент – это звуковые пейзажи с терапевтическим эффектом

Доктор Оливер Сакс писал: «За сорок лет медицинской практики я обнаружил лишь два типа нефармацевтической «терапии», жизненно важной для пациентов с хроническими неврологическими заболеваниями. Это музыка и сады». Такое заключение, может быть, никого и не удивит, поскольку исходит от столь оригинального мыслителя, как Сакс. Но удивительно то, что значительное количество традиционных научных исследований точно так же связывают музыку и психическое здоровье.

Шестьдесят лет назад, когда Сакс ещё только изучал медицину, джазовый композитор и лидер авангардной группы Сан Ра (Sun Ra) имел опыт, созвучный заявлению нейропсихолога, когда играл для пациентов в психиатрической больнице. Женщина с кататоническим синдромом, которая не говорила в течение многих лет, встала и сказала: «Вы называете это музыкой?» Тот концерт, заказанный его менеджером, представлял собой небольшой эксперимент в альтернативной медицине, а не серьёзный предмет изучения среди врачей и неврологов.

Как всё изменилось за последние полвека

Несколько недавних исследований, например, связали игру на барабанах, самую древнюю и самую универсальную форму музицирования, с уменьшением тревожности, облегчением боли, улучшением настроения и повышением навыков обучения у детей с аутизмом. Как показал ряд исследований, прослушивание и воспроизведение джаза и других видов музыки с синкопированием способствует творчеству, повышению математических навыков и поддержанию умственного и эмоционального благополучия.

А что можно сказать об эмбиентной музыке, жанре, часто характеризующемся отсутствием синкопа? Его почти всегда используют в качестве фоновой музыки в записях для управляемой медитации и снижения стресса, в размеренных, расслабляющих видеороликах йоги и в тысячах видео на YouTube, посвящённых популяризации способствующих снижению стресса частот и стереоэффектов. Создаётся впечатление, что эмбиент специально создали для борьбы с напряжением и недомоганием, и в некотором смысле так и есть.

Брайан Ино, артист, давший название жанру и часто упоминаемый как его создатель, написал в примечаниях к вкладышу альбома 1978-го года «Эмбиент 1: Музыка для аэропортов» (Ambient 1: Music for Airports): «[эта запись] предназначена для достижения спокойствия и пространства, чтобы думать». Вне зависимости от того, хотел ли он сделать научное заявление или это всего лишь художественное изложение цели, исследование подтвердило заключения Ино о благотворных эффектах долгой, медленной, обволакивающей музыки.

Помощник редактора YouTube канала Noisey Райан Бассил, давний страдалец от тревожности и панических атак, на собственном опыте обнаружил, что это утверждение верно. Он рассказывает об этом в видео ниже. Музыка таких эмбиент-композиторов, как Брайан Ино, Уильям Басински и Кристиан Феннеш, помогала ему «заземляться» в моменты обострения тревожности, возвращая его к сенсорному контакту с настоящим.

Когда Бассил решил докопаться до причин, по которым эмбиент оказывал такое успокаивающее воздействие на его перевозбуждённую нервную систему, он обнаружил исследования артиста и учёного Люка Яанисте. Тот описал «режим эмбиент» как «всеобъемлющее и всеохватывающее поле без каких-либо приоритетов на переднем плане и фоне». Бассил пишет, что погружение в это пространство «способно помочь слушателю отложить в сторону то, что у него на уме, и использовать свои чувства, чтобы сосредоточиться на своём окружении».

Читайте также  Что такое дифирамбы

Мы не можем – и не должны – обращаться к музыке как к полезному инструменту, но эмбиент особенно хорошо проявил себя при лечении серьёзных неврологических и психологических состояний. Судебный психиатр доктор Джон Талли из Лондонского института психиатрии, психологии и неврологии прослеживает эту форму вплоть до Баха и Шопена, особенно останавливается на творчестве Эрика Сати. Он первым придумал авангардный жанр «фоновой» музыки ещё в 1916 году и не имел никаких сомнений по поводу того, что музыка служит специальной цели.

Эмбиент развивался, менялся, обрастал поджанрами по мере того, как классические, авангардные минималисты и электронные музыканты писали композиции для самых разных аудиторий. Но вне зависимости от намерений и пролегания жанровых границ, все виды ненавязчивой, инструментальной музыки имеют терапевтическую мощь не только для уменьшения тревожности, но и для облегчения болей у пациентов с хирургическим вмешательством и снижения возбуждение у страдающих деменцией.

Выступая со своей группой Darkroom в отделении интенсивной терапии в больнице Университетского колледжа Лондона, писатель и психолог Чарлз Фёрнихоу обнаружил, что эмбиентная музыка несёт значительную пользу пациентам, оказавшимся в том, что он называет «пригородом ада»: в отделении реанимации и интенсивной терапии. Пребывание в таких местах тесно связано с более поздним посттравматическим стрессовым расстройством (ПТСР) и тем, что называется «ОРИТ психоз» (психоз от пребывания в отделении реанимации и интенсивной терапии). Главным виновником оказывается седация. Но музыка, особенно эмбиент, возвращала пациентов к самим себе, о чём пишут в статье на Aeon.

Вряд ли наука готова ответить на вопросы, как и почему эмбиент действует именно так, а не иначе. Где Фёрнихоу обнаружил, что пациенты извлекают пользу из отсутствия предсказуемости и способности «избежать настоящего момента», исследования и опыт Бассила выявили противоположное – чувство безопасной предсказуемости и повышенного сенсорного осознания.

Физиологические реакции будут варьироваться от человека к человеку, как и их вкусы. «Лёгкое звучание для одного может оказаться слуховым ядом для другого», – признаёт Фёрнихоу. Но для значительного числа людей, страдающих тяжёлой тревогой и травмой, размеренные, минималистские, бессловесные звуковые ландшафты обволакивающей музыки эмбиент эффективнее любых препаратов.

По материалам Оpen Culture.
Превью: кадр из фильма «Это очень забавная история» (It’s A Kind Of A Funny Story, 2010).

История «обволакивающей» музыки: Ambient
от дребезжания машин до наших дней

Музыка стала неотъемлемой частью жизни человека. Она доносится из телевизоров и наушников, магазинов и транспорта. Ее звучание обволакивает нас. Зачастую мы даже не думаем о том, что звуки улиц — тоже своего рода музыка. Однако около ста лет назад нашлись люди, которые впервые обратили на это внимание.

До XX века

От фоноавтографа к граммофону

Электронная музыка предполагает использование электронных музыкальных инструментов, которые могут воспроизводить и преобразовывать звуки. Первым записывающим устройством был фоноавтограф, который Эдуард Леон Скотт де Мартенвиль продемонстрировал в 1857 году. Аппарат из иглы и мембраны оставлял следы от звуковых колебаний на бумаге или копоти, но не мог воспроизвести мелодию. Только спустя 20 лет, в 1877 году, американский ученый Томас Альва Эдисон представил миру фонограф. Его изобретение могло воспроизводить и записывать звук при помощи вращающейся цилиндрической спирали. Затем ровно через десять лет, в 1887 году, Эмиль Берлинер запатентовал граммофон. От изобретения Эдисона его отличало наличие диска вместо цилиндрической спирали. Амплитуда звука выросла, и он стал качественней.

Первое десятилетие XX века

Первый электрический инструмент

В конце XIX — начале XX века Тадеуш Кахилл работал над своим телармониумом. Это огромное устройство занимало порядка 18 квадратных метров и весило около 200 тонн. Такие габариты стали причиной отказа от его массового использования. Однако, это один самых ранних электрических инструментов. Он уже использовал тот же синтез звука, что и некоторые современные синтезаторы.

«Искусство шумов» Луиджи Руссоло

Возможно, кто-то думает, что эмбиент — это один из молодых жанров современной электронной музыки. Но его истоки нужно искать во втором десятилетии прошлого века у футуристов, главных экспериментаторов во всех областях искусств. Луиджи Руссоло был одним из таких художников и композиторов. В 1913 году он издал манифест «Искусство шумов». В нем Луиджи пишет о развитии и восприятии музыки от древности до наших дней. Основная идея состоит в том, что сейчас у нас есть машины, которые издают множество различных звуков. Ныне, по его мнению, люди пресытились «вагнеровским» чистым звучанием, обычных музыкальных тонов мало для поддержания удовольствия и интереса слушателей. Руссоло предложил использовать в композициях звуки трамваев, поездов, самолетов и автомобилей. Да, это еще не совсем электронная музыка, но композитор-футурист уже задействовал крайне необычные средства для получения нового звучания. Он первым использовал окружающую среду в своих произведениях.

Меблировочная музыка Эрика Сати

Еще одним праотцом электронной музыки стал Эрик Сати, композитор, который оказал огромное влияние на музыкантов XX столетия. Его композиции с аккордами, выстроенными по квартам, кажутся осмысленными и меланхоличными, но в то же время невесомыми и обволакивающими. Разнообразие настроений обусловлено иным подходом Эрика к сочинению музыки. Он писал порядка пяти-шести пассажей, а затем соединял их вместе. Именно этим отличается современный эмбиент, который тоже состоит из повторяющихся и незначительно изменяющихся паттернов. Таким образом, Сати ввел авангардистское понятие «меблировочная музыка», что стало началом музыкального минимализма. Эта музыка может звучать в ресторане или магазине, ей можно встретить гостей в салоне. Эрик Сати опередил с таким нововведением весь свет на целую половину столетия: интерес к минимализму в музыке появился в США ближе к 70-м годам, а в России и Европе и вовсе только в 80-е.

Именно в этом году советский ученый Лев Термен создал терменвокс. Его изобретение позволяло при помощи движений рук между антеннами инструмента получать звук. Оказалось, что играть музыку можно, не прикасаясь к клавишам или струнам. Это было подобно чуду и повлекло ряд интересных измышлений среди композиторов и музыкантов: электронной музыке прочили дальнейшее развитие и распространение. На новом инструменте не только стали играть классические произведения, но и писать для него сюиты. Спустя время стали появляться и другие электронные инструменты.

В 1935 году появился орган Хаммонда, который использовал тот же принцип синтеза звука, что и более ранний телармониум. Он сразу же стал недорогой альтернативой обыкновенного органа и нашел применение как в церквях, так и в джазе и блюзе.

В это же время появилась магнитная пленка от немецкой компании AEG. Она открыла безграничные возможности монтажа, перемотки и более доступной записи. Конечно, спустя время появились пионеры в области музыки, где основным инструментом был записанный звук. Одним из первых был Пьер Шеффер. Его пьеса Symphonie pour un homme seul («Симфония для одинокого человека») совмещала в себе множество паттернов: от разговоров людей и звуков клавиш до ритмичного шума идущего поезда.

Краткая история синтезатора

В этом году Скотт Рэймонд, американский джазовый музыкант, основал Manhattan Research, Inc. Это была не только студия, но и лаборатория для изобретения музыкальных инструментов. Скотт всерьез интересовался имитациями звуков и возможностью изменять с помощью машины тональность и темп определенной мелодии. Однако его идеи опередили время, так как музыканты все еще были увлечены терменвоксом. На сегодняшний день все его задумки воплотились в жизнь. Сейчас есть MIDI (Musical Instrument Digital Interface — цифровой интерфейс музыкальных инструментов), кодирующий нажатие клавиш с их акустическими параметрами, и семплер, который не генерирует, но использует записанные ранее звуки для их изменения. Важным достижением его лаборатории стал Clavivox. Скотт Рэймонд считал, что он заменит терменвокс. Его изобретение было родственником инструмента Термена, но с клавиатурой в три октавы и возможностью регулировать затухание звука. Позже Clavivox доработал Роберт Муг. Так появился первые синтезаторы Minimoog, которые становились все доступнее и со временем вытеснители электроорганы.

Об ЭВМ мир узнал еще в 30-х годах, но первая подобная музыкальная машина появилась только в 1949 году. CSIRAC (Council for Scientific and Industrial Research Automatic Computer — Автоматический компьютер Совета по научным и промышленным исследованиям) Тревора Пирси и Мастона Берда, проигрывавший популярные музыкальные мелодии того времени, до сих пор находится в Мельбурнском музее и включен в Реестр наследия штата Виктория. Эта ЭВМ еще не умела преобразовывать звуки, как современные компьютерные программы, но она поставила человечество перед фактом, что вскоре машины смогут писать музыку, анализируя ныне существующие произведения. И эти ожидания оправдались. В 1957 году появилась первая в мире программа MUSIC профессора Макса Мэтьюса. В ее память можно было ввести музыкальную партитуру и то, как инструменты будут синтезированы в будущем произведении. Затем запись сохранялась на магнитной ленте.

В 60-е годы окончательно оформилось такое явление, как электронная музыка. Ее пионеры — авангардисты и исполнители краут-рока. В новом рок-направлении все еще звучали привычные барабаны и гитары, но он отличался использованием синтезаторов и электронной обработкой музыки. Слово «кraut» образовано от «sauerkraut» — названия немецкого блюда из квашеной капусты. Так новое направление окрестили британские журналисты, подразумевая под словом «kraut» немца. На фоне культурного вакуума краут-рок достаточно быстро стал популярным в Германии после Второй мировой войны. Ведь новая отрасль в музыке оказалась для тех времен поистине огромным полем экспериментов и возможностей. В Can, одной из групп, образованных в 1968 году, состоял Хольгер Шукай. Именно он наложил на случайно найденную пленку с вьетнамскими народными песнями электронный гул. Это впоследствии стало называться эмбиентом.

Читайте также  Что такое волонтерство

1978

Несмотря на то, что элементы эмбиента уже существовали в композициях исполнителей краут-рока, самого названия у этого течения не было вплоть до 1978 года. В этом г, основанного на модуляциях звукового тембра и служащего отличным саундтреком к повседневности. оду британский музыкант Брайан Ино выпустил альбом под названием Ambient 1: Music for Airports. Затем выходят и последующие альбомы: Ambient 2: The Plateaux of Mirror (1980), Ambient 3: Day of Radiance (1980) и Ambient 4: On Land (1982). «Ambient» значит «окружающий». Существует легенда, что Брайан лежал дома с переломом ноги, прислушивался к шумам вокруг, что и вдохновило его на написание ряда альбомов. После прослушивания композиций действительно хочется поверить в эту легенду. Создается ощущение, будто каждый звук рассмотрен музыкантом под микроскопом, изучен до малейших колебаний. Все его альбомы объединяет полная «осмысленность» ряда повторяющихся и переливающихся созвучий, их «синтезированность». Именно по альбомам Брайана Ино этот жанр музыки и получил свое название.

Сегодня

К настоящему времени жанр получил огромное развитие. Он был разделен на поджанры: от мрачного дарк-эмбиента до ритуал-эмбиента. Последний может использовать любое религиозное музыкальное сопровождение, будь то церковный хор или языческие песни. Но в каждом из этих ответвлений присутствуют черты, закрепленные 40 лет назад Брайаном Ино. Это использование любых окружающих человека звуков, которые растекаются, перемешиваются, переливаются и как бы плавно и медленно танцуют в одной композиции в очень медленном, почти отсутствующем ритме. В этом звуковом танце нет резких движений, и он длится долго. Средняя продолжительность композиции — десять минут. Вы можете услышать в ней, например, странные голоса людей, пробовать прислушиваться к ним (или же нет — решать вам). Но вы никогда не услышите в ней вокала, поскольку это было бы слишком резким движением для такого бала звучаний. Сам Брайан говорил, что такую музыку можно «активно слушать со вниманием, или же просто игнорировать, в зависимости от выбора слушателя». Точнее слов не придумать, поскольку «эмбиент», по сути, и есть окружение. Только вы можете решить, стоит ли прислушаться к этой гармонии окружения, как иногда прислушиваетесь к пению птиц в парке, или же воспринять ее как фон, как шум города, когда утром, погруженные в свои мысли, вы спешите на работу или учебу.

Что такое эмбиент?

Содержание статьи

  • Что такое эмбиент?
  • Что такое сюита
  • Что такое инструментальная музыка

Эмбиент – жанр электронной музыки, в основе которого находится модуляция звукового тембра. Отличается ненавязчивым фоновым звучанием, «обволакивающим» действием. Для него характерны психоделические переливы синтетических звуков.

История

Направление зародилось в 70-е годы прошлого столетия благодаря творчеству Брайана Ино. В СССР в это же время им увлекся Михаил Чекалин. С тех пор было выделено несколько направлений, пользующихся популярностью в определенных кругах по сей день.

Концепция нового жанра появилась благодаря французскому композитору Эрику Сати. Он первым ввел термин «меблированная музыка». Особенность обоих видов заключается в ненавязчивости мелодий. Их пользователь может слушать или быть фоном. Очень быстро такие мелодии стали использовать в магазинах, кафе для создания уютной атмосферы.

Можно найти в композициях музыку для:

  • медитации;
  • самопознания;
  • размышлений.

Человеческий мозг воспринимает такую музыку «разлитой».

Поджанры

Второе рождение стиль приобрел в 1990-х, когда появилось творчество таких исполнителей, как The Orb и Aphex Twin. Сегодня эмбиент имеет несколько поджанров:

  • хаос;
  • техно;
  • индастриал;
  • дарк;
  • дроун.

Ambient House

Это музыка, которая сочетает в себе синтезаторы струнные и высокие вокальные. Направление принадлежит к электронной музыке, которую нередко можно услышать на дискотеках. Основоположницей стала британская группа Orbital. Она создавала ритм, который считался клубным, но был слишком своеобразных для молодежных дискотек. Композиции выделялись на фоне остальных своим упором на атмосферность.

Сайбиент

Это жанр электронной музыки, в котором сочетаются элементы психоделик-транса, этнических звучаний и некоторых других. Само понятие стало сокращением двух слов psychedelic и ambient, что переводится как «психоделический эмбиент».

Спейс-эмбиент

Для этого направления свойственен размеренный, медленный темп звучания. Используются синтетические, глухие звуки, которые часто зациклены и служат фоном. В зависимости от композиции на него накладываются ритмичные электронные проигрыши. Может дополняться хоровым пением или переливами синтетических мелодий. Это отличный вариант для любителей успокаивающе-расслабляющей музыки.

Дарк-эмибиент

Появился в конце 1980-х годов, став результатом экспериментов эмбиент-композиторов. По мнению некоторых музыкантов, это направление противостоит классическому или базовому направлению.

Многие проекты в этом стиле созданы для вызова у слушателя определенных эмоций не только на уровне сознательного восприятия. Для этого в композиции добавляются низкочастотные звуки и резонансы. Для направления характерен минималистичный лишенный эмоциональных всплесков с эпизодическим резким увеличением громкости. Может дополняться звуками:

  • стукающих дверей;
  • падения предметов;
  • хлопаний.

Это делается для нагнетания напряженности. Монотонность придает звучанию гипнотический эффект.

Дроун-эмбиент

В конце 90-х годов появилось новое направление, сочетающее в себя дроун и эмбиент. Для таких мелодий характерными являются вибрации, частая смена темпа, гудение на низких частотах, резонансы и другие технические приемы звукозаписи.

Их отличительная черта – отсутствие соответствия классической структуре песен. Из-за этого они становятся чем-то абстрактным и чрезмерно длинным. Музыкальный ряд часто строится с использованием электрогитар, партии которых пропускаются через огромное количество синтезаторов и эквалайзеров.

Данжен-синт

Этот жанр стал результатом эксперимента блэк-метал музыкантов из Норвегии. Они отказались от тяжелого гитарного звучания, сделав акцент на синтезаторных гармониях. Изначально музыка отличалась плохим качеством записи. Связано это было с применением дешевых кассетных рекордеров и желанием выразить протест против массовой музыкальной индустрии.

Русский эмбиент

Истоками направления в России принято считать академическую музыку Шостаковича Рахманинова, Скрябина и других. В академической среде довольно быстро появилось стремление растягивать звуки обертонами. Любовь композиторов к холодной мелодичности – главная особенность русской музыки. Одни черпали вдохновение от природы, другие – в одиночестве, третьи – в драматизме земного бытия.

Огромную роль в формировании русской школы стало объединение композиторов вокруг Эдуарда Артемьева. Они первыми исследовали возможности советского синтезатора АНС, а в 1964 году записали свои первые сочинения с электронным звучанием. Очень быстро такую музыку стали использовать в фильмах, саундтреках.

Новый толчок в развитии направление получило при развитии компьютерных технологий и желанием русских композиторам соответствовать западным тенденциям. Все это позволило сочетать несочетаемое. Особенно большой интерес вызвал дарк и дроун-эмбиент. Услышать современных известных исполнителей можно в ВКонтакте.

Музыка в жизни

Уже отмечалось, что эмбиентные композиции часто используются в кино. Для режиссеров они являются еще одним языком, с помощью которого зрителю передается задуманное в картине настроение.

Используется и в рекламе. Разработчики различных виртуальных приложений пытаются самостоятельно продемонстрировать аудитории особенности подобного звучания. Делается это с той же целью – сближение игрока с виртуальной средой. Особенно часто применяется подобное музыкальное сопровождение в различных космических стимуляторах.

В рекламе используется термин ambient media, под которым понимается использование звуков окружающей среды в рекламных целях. Обычно прием эффективен для наружной рекламы, размещенной в местах скопления большого количества людей.

Эмбиент не стал коммерчески успешным. Многие критикуют его за скучность и интеллектуальность. Обычных же слушателей композиции отталкивают своей продолжительностью, отсутствием вокала и привычных структур. Согласно исследователям, целевая аудитория – молодежь в возрасте от 16 до 33 лет.

Однако благодаря возможности познакомиться с этим направлением через интернет, поклонников у направления стало больше. Это привело к появлению новых групп и исполнителей. Большинство из них трудятся в Австралии, США, Канаде и Германии. Эмбиент можно услышать в саундтреках к фильмам: «Социальная сеть», «Милые кости», «Драйв», «Мистер Одиночество» и некоторых других.

Что такое ambient?

Во-первых, стоит сказать, что по эмоциональному восприятию в настоящее время ambient можно разделить условно на две части. О первой написано и сказано много. Это та часть музыки, которая в начале 90-х годов деградировала и полностью потеряв всё своё внутреннее наполнение выплеснулась на головы танцующих на техно- и рейв-вечеринках. Pop-ambient, так можно назвать эту музыку. В настоящее время, всё то многообразие направлений на которые он делится (ambient house, ambient trance, ambient dub, goa ambient и т.д. (смотри Статью 5)) довольно популярно и практически затмило сам термин ambient. То есть, как правило, встречая слово ambient, человек в первую очередь думает о pop-ambient. Мы не будем говорить об этой совершенно пустой стороне «обтекающей» музыки. Поговорим об эмбиенте без приставок, о самом эмбиенте.

Разберемся с самого начала. Возникновение электронной музыки следует рассматривать в двух аспектах – в плане идейном, то есть как появление или изобретение какого-то нового взгляда на всю ту музыку, которая существовала вплоть до конца XIX века, а также в техническом плане, то есть в смысле создания необходимого инструментария для создания этой самой электронной музыки. Что касается идейного аспекта, то в 50-х годах полностью сформировалась новая концепция написания музыки, которая получила название – сериализм. Суть его заключалась в том, что музыкальное произведение «собиралось» из некоторой последовательности нот, так называемого «ряда» или серии. Эта серия подвергалась всевозможным трансформациям, но (и это важно) сохранялась как единое целое. Человеком, который довёл сериализм до логического завершения был Карлхайнц Штокхаузен (Karlheinz Stockhausen). Основной принцип создания сериальной музыки опирался на математическую теорему Фурье, которая гарантировала, что все многообразие звуков окружающего мира можно получить, складывая простейшие гармонические колебания (такие колебания в музыке называются тоном). Складывая определенное количество гармоник, Штокхаузен получал новые звуки или, если придерживаться музыкальной терминологии, тембры, из которых потом при помощи магнитофона «собирал» свои произведения. Такой подход был новым и интересным, однако звучание музыки было бедным и примитивным, поскольку даже несколько десятков гармоник не могли создать плотный и сочный звук, а техника в то время большего не позволяла. Ничего удивительного, что в связи с этим, у музыки сериалистов появились противники, одним из которых был Янис Ксенакис (Iannis Xenakis). Он совершенно справедливо утверждал, что слушатель не может уловить внутреннюю логику сериальной музыки и поэтому она кажется ему никак не связанными разрозненными звуками. В своих произведениях Ксенакис опирался в первую очередь на звучание и ассоциации, которые возникают при этом. Описать это можно так – несколько человек оркестра играли длинные акустические линии, которые сам Ксенакис рисовал для каждого музыканта. В результате возникала музыка, которая звучала во всех направлениях, звук изменялся и плыл, но было тяжело сказать, как и куда.

Читайте также  Что такое государственный аппарат

50-е и 60-е годы были периодом развития и пересмотра отношения на существующую до этого музыку. И далеко не последнюю роль в этом сыграла религия и восточная философия. Здесь стоит упомянуть имя великого американского композитора Джона Кейджа (John Cage), который был дзен-буддистом. В связи с этим, у него были довольно не стандартные, для европейцев, взгляды на жизнь и музыку. Кейдж считал, что немузыки просто не существует. Все, что издает звуки вокруг нас, как-то шумит, все это есть музыка. Необходимо только прислушаться. Своими произведениями композитор пытался помочь слушателю услышать то, что в обычной жизни проходит мимо ушей. Он считал, что не нужно пытаться создавать какую-то мелодию, достаточно почувствовать движение дао и дэ, позволить всему идти своим чередом и наблюдать. В результате, музыка будет получаться сама по себе. В качестве примера, можно привести знаменитое произведение Кейджа «Atlas Eclipticalis», которое он сочинил, скопировав атлас звёздного неба на нотную бумагу. Как буддист, Кейдж также большое внимание уделял всякого рода отсутствиям. Отсутствию умысла, намерения, упорядочивания, партитуры. Известно его произведение под названием «4:33». Длилось оно 4 минуты и 33 секунды. Все это время музыкант, который его исполнял, не имел права прикасаться к инструменту. Это была своеобразная пауза, во время которой, человек слушал какие-то шумы в зале, дыхание исполнителя и т.д. Кейдж считал паузы своеобразным катализатором, который усиливал восприятие мелодии между ними.

В начале 60-х, такое развитие музыки, привело к появлению новой концепции, которую назвали минимализмом. Первым композитором минималистом считают Терри Райли (Terry Riley). В 1964 г. он написал пьесу для симфонического оркестра «In C» («В До»). Как легко можно догадаться, оркестр играл всего одну ноту «до», но эта игра была особенной. Дело в том, что тембр такого звучания имел не просто обертоновый спектр какого-то одного инструмента, а состоял (из-за того, что играл целый оркестр) из целого звукового комплекса, так построенного и расположенного, что он собирался в монолит и звучал как сложный голос. Звук, построенный таким образом, называют гармониетембром. Типичным примером гармониетембра является звучание колокола. Рассказывая о минимализме, невозможно пройти и мимо фигуры Стива Райха (Steve Reich) – американского композитора-минималиста. В 1965 г. он экспериментировал с записью проповеди уличного проповедника, используя два магнитофона. Проигрывая один и тот же фрагмент записи, композитор пытался добиться синхронного звучания на обоих магнитофонах. Но уже после нескольких циклов из-за разницы в скорости набегал чуть заметный сдвиг. Вот тут композитор и понял, что это и есть музыка. В 1976 г. Стив Райх написал пьесу для 18 музыкантов. Она так и называлась «Music for 18 Musicians». Все музыканты играли одну и ту же мелодию, постоянно повторяя её. Однако время от времени некоторые из них чуть отставали или, наоборот, опережали основную тему. Мелодия как бы раздваивалась и дрожала на одном месте, постоянно трансформируясь и видоизменяя саму себя. В качестве итога разговора о минимализме можно привести цитату из книги Андрея Горохова, – «…в музыке минималистов очень чувствуется далеко не академическое увлечение индийскими рагами и психоделикой. Для будущего развития было важно, что минималистическая музыка была устроена циклически из повторяющихся фрагментов. » И действительно, ведь эмбиент имеет очень похожую структуру построения, поскольку для него также характерны циклически повторяющиеся фрагменты.

Это была середина 70-х. На этом временном отрезке, мы, наконец, сталкиваемся с фигурой Брайана Ино (Brian Eno). Свои электронные импровизации Ино записывал на пленку и зацикливал одну и ту же музыкальную тему. В результате звуки постоянно повторялись, музыка как будто шевелилась на одном месте и бесконечно порождала сама себя. В 1975 г. он выпустил альбом под названием Discreet Music, который содержал подобные музыкальные импровизации. Стоит отметить, что Ино был большим поклонником творчества Стива Райха и это, безусловно, повлияло на его представления о музыке. Через несколько лет после выхода Discreet Music Ино предложил называть такую музыку термином ambient. В понимании Ино, слово ambient обозначает атмосферу определённого места. Будь то аэропорт, поле, место у реки и т.д. Создается такая атмосфера незаметно, не сразу, постепенно как бы пропитывая слушателя. Однако считать, что саму концепцию такого звука придумал Ино совершенно неверно. Идеология эмбиента начинала зарождаться еще задолго до появления сериализма и минимализма. Отцом этой идеологии по праву считают Эрика Сати (Erik Satie). Он экспериментировал с тем, что называл «Музыка Мебели». Целью было написать такую музыку, которая бы явно никак не касалась слушателей, была бы фоном. Особенно известны три фортепианные пьесы композитора Trois Gymnopedies и мистическое произведение для нескольких исполнителей Vexations (дословно можно перевести как «Раздражения»). Любопытный факт, что Vexations занимала одну страницу нотной тетради, а играть её надо было 840 раз (около 18 часов непрерывной игры). Несмотря на это, публика абсолютно нормально воспринимала это произведение.

Итак, постараемся дать краткое описание эмбиент-музыке. Оглядываясь на все вышесказанное, разделим отличительные черты эмбиента на две части – внутренние, которые являются основными (если они присутствуют, вы можете быть точно уверены, что слушаете эмбиент) и внешние, которые описывают структуру самой музыки. Внутренние черты эмбиента: Первая – мелодия. У неё нет развития, она не стремится к своему завершению, потому что его у неё нет. Музыка существует сама по себе, постоянно повторяется и плавно течет, без каких-либо резких переходов. Многие композиции устроены так, что вы можете зациклить их и потом, во время прослушивания, с трудом найдете начало мелодии или её окончание. Эмбиент-музыка – это медленная музыка. Вторая – настроение. Абсолютно нейтральное или задумчиво-серьезное, иногда мрачное. Здесь есть два пограничных стиля – new age и noise. Оба эти направления иногда очень похожи по структуре на эмбиент, однако их легко отличить по настроению. Noise – это в первую очередь человеконенавистническое настроение. Эмбиент-музыка никогда не вызывает ненависти к человеку и вообще каких-либо отрицательных эмоций. С другой стороны стоит крайне радостное и светлое настроение музыки new age, в голове возникают образы просветлённых лиц учителей Индии – Ошо и ему подобных. Отсутствие светлого и беззаботного настроения отличает эмбиент-музыку от музыки new age. Внешние черты эмбиента: Наличие всевозможных экзотических инструментов, таких как, например, индийская ситара, китайские барабаны и т.д. Иногда наличие ритма, причём не обязательно неявного, а иногда вполне конкретного и хорошо различимого, который ведёт всю композицию и постоянно повторяется. В этом случае необходимая атмосфера создаётся ритмом, а мелодия служит дополнением. Как правило, ритм выстукивается на каких-либо экзотических барабанах. Не стоит путать с обычной долбёжкой, которая характерна для танцевальной музыки. Композиции могут быть как длинными (около часа), так и короткими (порядка нескольких минут). Можно сказать, что по сравнению с другими направлениями электронной музыки, число длинных гораздо больше. Однако часто бывает, что сами композиции обычного размера (5-10 минут), но плавно и не заметно переходят одна в другую. Создается ощущение одной большой композиции. Характерно наличие всевозможных живых звуков природы, таких как гром, ветер, звук шагов и прочее. Возможно наличие речевых сэмплов (голоса тоже экзотические, не европейские), но вокал в привычном смысле отсутствует. Несколько человек, которые в настоящее время наиболее известны в мире эмбиента: Robert Rich, Steve Roach, Bill Laswell, B. Lustmord, David Parsons, Al Gromer Khan, Pete Namlook.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: